Postface
Sur l'art de voir lentement : Le X100vi, sept simulations et la signification de CW
Une caméra compacte à objectif fixe est, entre autres choses, une discipline.
Elle ne peut pas zoomer. Elle ne peut pas changer de perspective par le choix d'une focale différente. Elle demande au photographe de se déplacer — physiquement, délibérément — ou d'accepter le cadre tel qu'il est. Pour certains photographes, c'est une limitation. Pour d'autres — ceux qui croient que les contraintes libèrent plutôt qu'elles ne restreignent, qu'une focale unique est une invitation à voir plus profondément plutôt que plus largement — c'est quelque chose qui ressemble davantage à un cadeau. Le Fujifilm X100vi appartient à cette seconde philosophie. Quarante mégapixels dans une caméra qui tient dans la poche d'une veste. Un objectif qui voit le monde à l'équivalent 35mm, proche de la façon dont l'œil humain cadre naturellement une scène. Sept emplacements de recettes personnalisables qui permettent à la caméra de changer complètement de caractère selon ce que le moment demande.
Sept emplacements. Sept simulations. Sept caméras différentes en une.
Sur le choix des simulations
Chaque recette de cette série repose sur une simulation de film différente. Le choix de la simulation pour chaque recette n'a jamais été arbitraire. Chacune a été sélectionnée pour ce qu'elle fait qu'aucune autre simulation ne réplique tout à fait.
Provia, la plus neutre et la plus équilibrée des simulations couleur de Fujifilm, est devenue le fondement d'une couleur quotidienne propre et honnête. Monochrome+R, avec sa séparation tonale améliorée dans les sujets aux tons chauds, a fourni le bon outil pour un noir et blanc moderne et précis. Reala Ace, avec son rendu des couleurs naturel et organique, s'est approchée le plus du caractère délicat d'une caméra Leica bien-aimée. PRO Neg Std, douce et orientée vers les teintes de la peau, a porté le naturalisme cinématographique d'un film qui m'a saisi. ACROS, la simulation monochrome la plus sophistiquée de Fujifilm, a apporté la chaleur et les transitions tonales photographiques qu'un noir et blanc cinématographique exigeait. Eterna Cinema, conçue pour le travail cinématographique, a offert les transitions tonales et le rendu des hautes lumières les plus proches de ce qu'un capteur CCD fait au niveau matériel. Et Astia, chaude et tridimensionnelle, a fourni le fondement organique d'une recette élaborée sur l'hommage et l'écoute attentive.
Classic Chrome — la simulation la plus utilisée de Fujifilm, celle qui apparaît dans la majorité des recettes qui circulent en ligne — n'apparaît pas une seule fois dans cette série. C'était délibéré. Classic Chrome est excellente. Mais elle est devenue tellement répandue qu'elle risque de devenir un réflexe plutôt qu'un choix, un filtre plutôt qu'une vision. L'intention ici a toujours été de traiter chaque simulation comme un instrument distinct, choisi pour son caractère spécifique plutôt que pour sa familiarité.
Ce que CW signifie
Tout au long de cette série, le préfixe CW est apparu sur chaque recette sans explication. C'est ma signature personnelle, rien de plus, ai-je dit, et rien de moins.
C'était vrai, et c'était aussi incomplet.
CW signifie Crazy Wisdom, le nom d'une lignée du bouddhisme tibétain introduite en Amérique du Nord par Chögyam Trungpa Rinpoché, l'un des enseignants bouddhistes les plus influents du vingtième siècle. Je suis un étudiant de cette tradition. Les initiales sont une reconnaissance silencieuse de qui je suis, intégrée dans le travail sans s'annoncer.
Je le mentionne ici parce que cela s'avère plus pertinent que je ne l'avais initialement laissé entendre.
Miksang — le bon œil
Parmi les nombreuses contributions de Chögyam Trungpa à la culture occidentale figurait son développement de ce qu'il appelait l'Art du Dharma, une approche contemplative de la pratique artistique ancrée dans la perception directe plutôt que dans le concept ou l'ambition. De ces enseignements a émergé une discipline photographique : le Miksang, mot tibétain signifiant bon œil.
La photographie contemplative Miksang repose sur une prémisse d'une simplicité trompeuse : que la formation la plus importante pour un photographe n'est pas technique, mais perceptuelle. Avant la composition, avant l'exposition, avant le choix de la recette ou de la simulation, il y a le voir. Voir clairement — directement et sans médiation — le monde tel qu'il apparaît réellement, avant que l'esprit commence son travail d'étiquetage, de jugement, de préférence et d'interprétation.
Dans le Miksang, la caméra n'est pas un outil pour capturer ce qu'on a déjà décidé valait la peine d'être capturé. C'est un instrument pour rendre visible ce que la perception directe a déjà vu : une traduction du voir clair en image physique.
La pratique demande au photographe de ralentir. D'être présent. De résister à l'impulsion de chasser le moment décisif, la composition dramatique, l'image techniquement parfaite. De faire confiance, plutôt, à la magie ordinaire de ce qui est réellement là.
Le lien qui était toujours présent
En relisant ces neuf articles, je reconnais le Miksang partout, non pas parce que je l'avais planifié, mais parce qu'il était déjà présent dans ma façon de photographier.
Les photos de table. La lumière d'après-midi à travers des rideaux légers. Les huîtres dans un garage. L'ambre d'un verre de whisky. Le visage d'une femme en décembre. Aucun de ces sujets n'est dramatique. Aucun ne s'annonce comme une photographie qui mérite d'être prise. Ce sont des moments ordinaires, vus clairement, tenus suffisamment longtemps pour mériter un déclenchement.
Des images qui murmurent plutôt que crient — la phrase que j'ai utilisée tout au long de cette série — est, je le réalise maintenant, une description de la pratique Miksang traduite dans le langage des recettes de simulation de film.
Le X100vi, avec son objectif fixe et ses sept emplacements de recettes, s'avère être un instrument presque idéal pour la photographie contemplative. Il n'invite pas au changement agité d'objectifs ni à la poursuite de la variété optique. Il demande la présence. Il récompense la patience. Il produit ses meilleures images quand le photographe est déjà immobile.
Les recettes CW sont, en ce sens, non seulement des choix esthétiques. Elles sont des préparations à une qualité d'attention particulière. Une façon d'arriver à une scène déjà ouvert à ce qui est là, plutôt qu'en imposant ce qu'on espérait trouver.
Une invitation
Chögyam Trungpa décrivait l'approche contemplative de la perception en des termes qui sont restés avec moi : se détendre dans un nuage en le voyant. Non pas l'analyser, non pas le photographier parce qu'il est beau, non pas attendre qu'il devienne plus dramatique, mais simplement être avec lui, pleinement, dans le moment de la perception.
Cette qualité d'attention détendue et ouverte est ce que j'espère que ces recettes rendent possible, non seulement techniquement, mais dans l'expérience même. Une recette qui produit des hautes lumières douces et des teintes de peau naturelles est aussi, modestement, une invitation à ralentir. À être présent avec la lumière. À faire confiance à ce qui est déjà là.
La photographie lente. Le bon œil. Une caméra compacte, sept simulations, et la pratique tranquille de voir clairement.
C'est ce que CW a toujours signifié.
Merci de m'avoir lu.
J'espère que vous y avez trouvé quelque chose d'utile, ou du moins quelque chose qui vous donnera envie de sortir, de ralentir, et de regarder.